Liszt: Sinfonía "Dante"

Tras la pausa veraniega y ante las temperaturas ardientes que nos está ofreciendo este comienzo de septiembre, no sé por qué se me ha venido a la cabeza esta obra de Liszt basada en la Divina comedia de Dante. Una pieza en dos movimientos (sólo retrató el Infierno y el Purgatorio persuadido por Wagner de que no había forma humana de describir el Paraíso con música) que al principio hace una cita musical de los versos del poema inmortal del florentino que reproducen lo que está escrito en las puertas del Infierno:

Lasciate ogni speranza, voi ch'entrate...

Mahler: "Des Antonius von Padua Fischpredigt"

Uno de los poemas de Des Knaben Wunderhorn a los que puso música Gustav Mahler, "El sermón de Antonio de Padua a los peces", está relacionado, como indica su título, con el popular santo que se celebra hoy, 13 de junio. Cuenta la tradición que hallándose el santo en Rímini intentó predicar ante una muchedumbre  que no fue muy receptiva a sus enseñanzas, de modo que, harto de no ser escuchado e inspiración divina mediante, se fue a la desembocadura de un río y empezó a dar un sermón a los peces, que se acercaron y escucharon con atención lo que San Antonio les decía. No contentas con eso, las criaturas marinas se pusieron a alabar a Dios, de modo que los infieles que tan poco caso habían hecho antes a San Antonio se convirtieron en masa. Mahler hizo una gran canción con el texto poético que recoge esta tradición y no sólo eso, sino que luego la utilizó como base del tercer movimiento de su Segunda Sinfonía. Aquí os la dejo con unos intérpretes de primer orden.

Beethoven: Variaciones Diabelli (Arthur Schnabel)

Hace ya demasiado tiempo que no actualizo este blog y, para reparar esa falta, voy a intentar volver a lo grande, con una de las obras pianísticas capitales del genio de los genios. Una obra en la que sacó todo, absolutamente todo de un breve vals arquetípico de la época Biedermeier. Os la dejo en la versión de un pianista que fue el primero en intentar eliminar todos los pegotes románticos que se habían adherido a lo largo del siglo XIX a las obras de Beethoven, Arthur Schnabel.

Busoni: Concertino para clarinete Op. 48

Seguimos de aniversarios, pues este año se cumplen 150 del nacimiento de Ferruccio Busoni, un compositor muy peculiar. Aunque italiano de nacimiento, desarrolló toda su carrera en Alemania y se le puede considerar más germánico que mediterráneo. Abogado de la vanguardia musical, sin embargo nunca se alejó de la tonalidad. Fue un gran virtuoso del piano y gran parte de su obra la consagró a ese instrumento; a pesar de ello hoy os traigo su Concertino para clarinete y orquesta de cámara, escrito en 1918, es decir, tres años antes de su muerte.

Granados: Valses poéticos

El pasado día 24 de marzo se cumplió el centenario de la muerte de Enric Granados, muerte que encontró intentando salvar a su esposa de un naufragio causado por el torpedo de un submarino alemán. Parece mentira, pero es un compositor muy desconocido, tal vez a causa de la exagerada popularidad de alguna de sus obras, como Goyescas. Gran parte de su producción sigue inédita y, si hacemos caso al Grove, ni siquiera existe un estudio detallado de su vida. Lo que os traigo hoy no es que sea del todo desconocido, pero tampoco es de lo más escuchado del leridano. Interpreta Alicia de Larrocha.

Reger: Trío para cuerdas en re menor Op. 141b

Tras la etapa de Meiningen, Reger se trasladó a Jena en el verano de 1915; era una ciudad tranquila y apacible en la que desarrolló una nueva forma de hacer música a la que él mismo denominó "estilo libre de Jena", menos radical, elegíaco, aunque no se pueda decir que estas obras estén impregnadas de paz. Los primeros meses fueron también tranquilos en su vida, pero todo esto cambió cuando empezó la temporada de conciertos, en octubre de 1915. Se embarcó entonces en otra de sus agotadoras giras por Alemania y los Países Bajos, dificultada por los problemas que para los viajes suponía la guerra, y todas las semanas acudía a Leipzig a dar clases en su Universidad. El 10 de mayo de 1916 se encontraba en esa ciudad; al día siguiente tenía previsto dar un concierto a beneficio de la Cruz Roja en Wittenberg. Sin embargo, un ataque al corazón acabó con su vida la madrugada del 11 de mayo. Al morir, su prestigio era enorme: recibió homenajes en toda Alemania e incluso en Rusia, un país que estaba en guerra con el suyo. Os dejo, como culminación de estos mensajes dedicados a Reger en su centenario, una de las obras representativas de este "estilo libre de Jena", su trío para cuerda Op. 141b.

Max Reger: Suite romántica, Op. 125

Entre 1911 y 1915 Reger dirigió la orquesta de Meiningen, un conjunto que tal vez no suene mucho hoy en día, pero que en aquella época era de los más importantes de Alemania. Había sido fundada por Hans von Büllow y entre sus directores había contado también con Richard Strauss. Reger se lanzó a un trabajo que se podría considerar frenético; se sentía bastante constreñido en la provinciana capital del ducado y realizó agotadoras giras en las que obtuvo bastantes éxitos no sólo como director, sino también con sus obras. Eso no impidió que ese exceso de trabajo le hiciese de nuevo refugiarse en el alcohol y llegase a sufrir un grave ataque en febrero de 1914. La muerte de su patrón, el duque Jorge II, y el estallido de la primera guerra mundial supusieron el fin de su estancia en Meiningen. La orquesta fue disuelta por el nuevo duque y Reger se marchó a Jena. Hoy os traigo una de las primeras obras que compuso en Meiningen, la Suite romántica, basada en poemas de Eichendorff y muestra de que en esta época empezó a alejarse de la música absoluta y se basó en ideas extramusicales para algunas de sus obras.

Max Reger: Concierto para piano en fa menor Op. 114

Entre 1907 y 1911 Reger vivió en Leipzig. Fue una época de grandes contrastes: no abandonó la música de cámara pero se dedicó con más intensidad a la sinfónica. Entró en contacto con gente que se convirtió en importante valedora de su música (los hermanos Busch, Henri Marteau) pero siguió recolectando enemigos entre los críticos. Adoptó a dos hijas y fue feliz en su vida familiar, pero el alcohol siguió minando su salud. Los estrenos de sus obras solían ser grandes fracasos, pero se celebraron varios festivales dedicados a su música que le colocaron en la cúspide de la fama. Cuando la situación en aquella ciudad se acercaba a lo insostenible, llegó la providencial llamada del duque Jorge II de Sajonia para dirigir la orquesta de Meiningen. Hoy os traigo una obra de este periodo, el Concierto para piano en la menor, escrito en el verano de 1910 para la pianista Frieda Kwast-Hodapp, que lo estrenó en diciembre de ese mismo año bajo la batuta de Arthur Nikisch.

Max Reger: Sinfonietta Op. 90

Reger vivió en Múnich entre 1901 y 1907. Fueron años fecundos y repletos de acontecimientos. Por un lado, se produjo su salto a la fama, desde 1904 y por otro se fue ganando la enemistad (porque la hostilidad de partida ya la tenía) de la mayor parte de los críticos musicales de la capital bávara. En esta época también se casó con Elsa von Bagenski, a pesar los reparos de la católica familia de Reger a tratarse de una protestante divorciada. Aunque Reger siguió componiendo para el órgano y mucha música de cámara, en esta época de Múnich también se dedicó a la música sinfónica. Luchó durante varios años con su Sinfonietta, cuyo estreno muniqués -dirigida por Felix Mottl- se convirtió en un escándalo que llegó a degenerar en peleas a puñetazo limpio frente a la casa de Rudolf Louis, uno de los críticos más influyentes de Múnich. Es la pieza que os traigo hoy.

Max Reger: Allegro affabile (Sonata para clarinete en fa sostenido menor Op. 49 nº 2)

Reger pasó tres años en Weiden recuperándose (1898-1901). Fueron tiempos de actividad febril, en los que no dejó de componer para el piano, el órgano y abundante música de cámara. Se dedicó, asimismo, a buscar editor para sus obras, tarea ardua sin duda, a pesar del apoyo de grandes figuras como Richard Strauss. Karl Straube no dejó de estrenar las piezas para órgano que iba componiendo y empezaron a llegar algunas críticas favorables, sobre todo de Múnich, lo cual preparó el camino para el traslado de Reger a la capital de Baviera. La pieza, uno de cuyos fragmentos os traigo hoy, es una muestra más de la admiración que sentía Reger por Johannes Brahms. Fue escrita en 1900, poco después de que Reger escuchase la sonata para clarinete Op. 120 nº 1 del hamburgués.

Max Reger: Passacaglia de la Suite para órgano Op. 16

En su época en Sondershausen y Wiesbaden (1890-98) Reger llevó una vida frenética. Siguió siendo a la vez alumno y profesor del conservatorio, empezó a publicar sus obras recomendado no solo por su maestro Riemann, sino también por Richard Strauss, a quien conoció por entonces (al igual que a Ferrucio Busoni, Felix Mottl o Eugen d'Albert). De todos modos, sus obras seguían encontrándose con una fuerte oposición (la que os traigo hoy le valió el calificativo de "terrorista musical"). El estrés del trabajo (empezó a actuar como concertista en estos años) y una mala experiencia en el servicio militar -donde le apareció una dolorosa úlcera en el cuello-, le llevó a caer presa del alcohol y el tabaco, que le llevaron a una situación lamentable. Al final, en junio de 1898, consintió que su hermana Emma le llevase a Weiden a recuperarse, a casa de sus padres. No todo fue malo en este periodo, sin embargo. Reger conoció a Elsa von Bagenski, que se acabaría convirtiendo en su esposa, se publicaron los primeros artículos elogiosos sobre su obra y empezó su relación de amistad con el organista Karl Straube, uno de los mayores defensores de su música, especialmente la mucha que compuso para el órgano. Hoy os traigo la Passacaglia con la que termina su Suite para órgano nº 1, Op. 16, obra de 1895.

Max Reger: Allegro scherzando (Sonata para violín y piano nº 1, Op. 1)

La idea inicial de la familia de Reger fue que se convirtiese en maestro de escuela, como su padre, Joseph Reger. Sin embargo, viendo sus cualidades musicales, no pusieron objeciones a que Adalbert Lindler, un antiguo alumno de Joseph que ejercía como maestro de música en Weiden, le diera clases de piano. Fue una visita a Bayreuth, en 1888, la que le convenció de que su vocación era la musical y, después de un prolongado tira y afloja, su padre consintió que ingresase en el Conservatorio de Sondershausen y posteriormente en el de Wiesbaden, donde su maestro principal fue Hugo Riemann (que fue, dicho sea de paso, uno de los encargados de acabar la magna biografía de Beethoven que dejó inconclusa Alexander W. Thayer). Su primera obra publicada, la Sonata para violín y piano en re menor (1890), de la que os traigo un fragmento (el segundo movimiento), impresionó tanto a su maestro que le recomendó para que él mismo fuese profesor de piano. La pieza se estrenó de forma fragmentaria en marzo de 1891 y, lo que será habitual, no causó buena impresión. A ver qué os parece.

2016: Año Reger (Suite para violonchelo solo nº 1)

Seguro que este año que acaba de comenzar verá muchas efemérides musicales importantes. Lo cierto es que aún no me ha dado lugar a repasarlas, sobre todo porque una me interesa sobre todas las demás: el próximo 11 de mayo se cumplirán 100 años de la muerte de Max Reger (1873-1916), un compositor al que admiro especialmente y que es bastante poco conocido (y quienes lo conocen, no suelen hablar muy bien de su obra). Yo creo que merece la pena dar un repaso a su  obra y eso es lo que pretendo hacer durante las próximas semanas, con ejemplos musicales de la vasta obra de Reger correspondientes a cada época creadora. (Hace algunos años publiqué una minibiografía de Reger que se puede consultar en esta misma bitácora). Como aperitivo, una pieza que muestra su admiración por Bach, su primera suite para violonchelo solo, Op. 131c nº 1 (escrita a comienzos del otoño de 1914) en una interpretación debida al mítico Emmanuel Feuermann.

Nielsen: Chacona para piano Op. 32 (FS 39)

El segundo compositor nórdico celebrado este año que ahora acaba al cumplirse 150 de su nacimiento es el danés Carl Nielsen, que es conocido sobre todo por su obra sinfónica, pero que también tiene interesantes obras para piano como esta Chacona escrita en el año 1916.

Beethoven: Obertura "Namensfeier" Op. 115

Ludwig van Beethoven fue bautizado el 17 de diciembre de 1770 en la parroquia de San Remigio de Bonn. Por eso, tradicionalmente, se considera que nació el día anterior, es decir, tal como el de hoy. Por eso, para festejar su 245º cumpleaños, os traigo una de sus oberturas, no de las más conocidas, escrita entre 1814 y 1815, titulada para la onomástica. Fue estrenada el día de Navidad de 1815 y se publicó diez años más tarde con una dedicatoria para el príncipe Radzivil. ¡Feliciades, Genio de los Genios!

Sibelius: Las Oceánides, Op. 73

Nos acercamos al final de este año 2015, que ha sido el del sesquicentenario del nacimiento de dos importantes compositores nórdicos. Uno de ellos, Jean Sibelius, escribió varios poemas sinfónicos, casi siempre inspirados en el Kalevala, el poema épico nacional de los finlandeses. Sin embargo, el que traigo hoy aquí es uno de los pocos que se sale de esa pauta. Se trata de Las Oceánides, una obra de 1913-14 (un encargo que le vino de los Estados Unidos), donde describe a estos seres de la mitología griega, hijas de Océano y Tetis, ninfas siempre relacionadas con algún río, lago o fuente.

Ravel: Pavane por une infante défunte.

Vive la France.

Charles Trenet: "La mer"

Cuidado, que hay quien dice que es la canción más bella jamás escrita. ¿Qué opináis? Aquí la tenéis en la versión original, en francés, cantada por su creador, Charles Trenet, que la escribió en 1943.



Ha habido centenares de versiones, pero la inglesa es la más conocida (con una letra que no tiene nada que ver con el original). Quizá quien más se identifica con ella sea el cantante neoyorquino Bobby Darin, que murió en 1973 a los 37 años de edad a causa de una enfermedad cardíaca. Se dice que tras cada una de sus actuaciones, tenía que ir a que le diesen oxígeno...

Boccherini: Quinteto Op. 11 nº 5

A veces es bueno situar las piezas más célebres en su contexto. Hoy lo voy a hacer aquí. Celebérrimo es el "minueto" de Luigi Boccherini, pero tal vez mucha gente no sepa que en realidad se trata del tercer movimiento de su Quinteto para cuerda en la mayor, Op. 11 nº 5. Pues sigue la obra completa, para que os hagáis una idea de la forma de crear música de este enorme compositor, cuya obra de cámara es tan extensa como magnífica y requeriría mayor atención.

Rameau: Suite de "Les Boréades"

La vida de Jean-Philippe Rameau fue lo suficientemente larga como para ser un estricto contemporáneo de Bach y Händel que, cuando murió, en 1764, se hallase rodeado de un incipiente clasicismo musical. Del último año de su vida es la música que os traigo hoy, la suite orquestal de la postrer ópera del maestro de Dijon, que no se estrenó hasta casi doscientos años después de su muerte.

Schubert: Sonata para piano en si bemol mayor D. 960

No se me ocurre mejor forma para empezar la semana que esta; me lleva rondando toda la mañana y la traigo aquí. A disfrutarla.

Bill Evans: "Night & Day" ("Everybody Digs Bill Evans", 1958)

Hoy traigo un trío, pero muy diferente al de la semana pasada. Se trata de un trío de jazz, formado por piano, bajo y batería y a su cabeza se encuentra el genial Bill Evans. Nos ofrecen una estupenda versión del célebre Night and Day, de Cole Porter. A ver si nos da energías para empezar bien la semana.

Max Reger: Serenata para flauta, violín y viola Op. 141a

Reger, una de mis debilidades, escribió mucha música de cámara en una época en la que era más habitual emplear unas fuerzas orquestales cada vez más gingantescas. Muchas veces se le teme por ser un tanto "pesante", incluso en estas obras escritas para pocos instrumentos, pero piezas como la que hoy os traigo lo desmienten. Ya veréis qué delicia.

"La fleur que tu m'avais jetée" ("Carmen", Bizet) por Jon Vickers

El pasado día 10 de julio murió el tenor canadiense Jon Vickers. Tengo que decir que nunca fue santo de mi devoción. Poseo varias grabaciones suyas y aunque admiro el poder de su voz tiene algo que no me llega a satisfacer plenamente. Pero soy un simple aficionadillo y no me voy a poner a criticar sin tener argumentos. El caso es que hace unos días hablé del asunto en las redes sociales con mis expertos operísticos de cabecera, Don Gino y Monsieur Robespierre, y les puse un vídeo de Vickers cantando Otello que no les hizo demasiada gracia. Replicaron que tal vez sería un mejor homenaje escucharle cantado esta célebre aria de Carmen y por eso es por lo que lo traigo aquí. Espero que esto sí les guste, a ellos y a quien lo vea.

Puccini: "Perché tarda la luna" (de "Turandot")

No me avergüenzo de confesar, a pesar de mi devoción por Wagner, que Turandot es una de mis óperas favoritas, de esas que he escuchado decenas de veces, que casi me sé de memoria... Esta última obra, inacabada, de Puccini, da una preponderancia inusitada al coro, que entona alguna de las melodías más memorables de la pieza. Tal es este coro, casi impresionista, Perché tarda la luna, en la que una turba aparentemente sedienta de sangre implora al astro nocturno que aparezca ya para que se verifique la enésima ejecución de un pretendiente de la fría y terrible princesa Turandot. Parece mentira que estén pensando esto mientras cantan esta delicada música...

Sebastián Iradier: "El Arreglito"

El compositor alavés Sebastián de Iradier y Salaverri (1809-1865) es universalmente conocido por su celebérrima habanera La Paloma. Sin embargo, ya no es tan del dominio público que otra habanera archifamosa, la de Carmen, esté basada en El arreglito, asimismo obra de Iradier, que os traigo hoy aquí. La verdad es que yo me enteré hace unos días, cuando en la televisión hablaron de una representación de la ópera de Bizet que iba a tener lugar en Madrid y la reportera dijo algo así como "una de las curiosidades de esta obra es que la famosa habanera es en realidad obra de un español, Iradier". Mi primera reacción fue la de pensar que teníamos otra de las muchas barbaridades que vomita a diario la merecidamente llamada "caja tonta", pero antes de meter la pata decidí indagar un poco y hete aquí que su punto de razón tenía. Cuando escuché El arreglito, que Iradier escribió hacia 1860, me di cuenta de que, en efecto, la música de Bizet se apoyaba casi completamente en ella. No tiene esto nada de particular, ya que Iradier vivió en París un tiempo, allí se hizo famoso y es fácil que Bizet escuchase la tonada en algún sitio, le llamase la atención y luego la emplease. Aquí os la traigo, juzgad:

Ornette Coleman: "The Shape of Jazz to Come"

No soy muy experto en jazz y poseo solo una pequeña (pero muy selecta) colección de discos entre los que se encuentra el que hoy os traigo, en homenaje a una de las máximas figuras del llamado free jazz, que nos dejó el pasado jueves día 11. Se trata de una de las grabaciones que los expertos suelen contar entre los puntos culminantes de este complejo y variado estilo musical: The Shape of Jazz to Come, grabado en Los Ángeles en mayo de 1959 y que, junto a Coleman con el saxofón contralto, podemos escuchar la corneta de Don Cherry, el bajo de Charlie Harden y la percusión de Billy Higgins.

Mozart: "Exsultate, jubilate"

Todo el fin de semana me ha estado rondando por la cabeza este temprano motete de Mozart, así que mejor empezamos esta semana -breve en Madrid- con él. Que lo disfrutéis.

Praetorius: In dulci jubilo (Polyhymnia Caduceatrix et Panegirica, 1619)

Poco que explicar. Música magnífica, jubilosa y espectacular.

Beethoven: "Wo die Unschuld Blumen streute" (de "El rey Esteban")

En pocas semanas despachó Beethoven el encargo que recibió de componer música para un par de obras de August von Kotzebue con vistas a la inauguración del Teatro Nacional de Pest. Una de ellas fue El rey Esteban, cuya obertura es al menos conocida. No lo son tanto el resto de las piezas que componen el conjunto, que muchas veces es despachado rápidamente al no estar considerado entre lo mejor de su creador. Sin embargo, hay cosas que creo merecen mucho la pena, como por ejemplo este breve coro femenino que hoy os traigo.

Borodin: Danzas Polovtsianas (de "El príncipe Igor")

Poca gente habrá que haya escuchado algo más de esta ópera inacabada de Alexander Borodin que estas danzas polovtsianas, una de esas piezas musicales que utilizo para levantarme el ánimo en los momentos en los que es necesario. Después del primer coro, hay una musiquilla que toca el clarinete que me estuvo retumbando continuamente en la cabeza en el maravilloso viaje que hice a Turquía hace ya demasiados años. En fin, una música a la que tengo mucho cariño y con la que daremos un magnífico comienzo a una semana que se presenta, en lo que se refiere a las temperaturas, casi veraniega. (La versión es de las que incluye coro.)

Scriabin: "Le poème de l'extase"

Este año 2015 se cumple el centenario de la absurda muerte de Alexander Scriabin, Absurda porque fue causada por la picadura de un bicho que acabó provocándole una septicemia. Os traigo una de sus obras orquestales más importantes, el Poema del éxtasis, que da una clara idea de la forma exaltada y voluptuosa que tuvo este enorme virtuoso del piano de hacer música.

Borodin: Nocturno

Este Nocturno es en realidad parte del Cuarteto de cuerda nº 2 de su autor, pero se suele interpretar de forma independiente, arreglado para orquesta de cuerda o completa. Es de una belleza que hipnotiza y no se me ocurre mejor forma de afrontar el lunes.

Mendelssohn: Obertura "Las Hébridas"

¿Qué es más oportuno para empezar la semana que una obertura? Y mucho mejor si es la que escribió Felix Mendelssohn en 1830 tras su primer viaje al Reino Unido, inspirada en la gruta de Fingal, situada en la isla de Staffa, en las Hébridas y que se ha convertido en una de las piezas más conocidas de su autor.

Vaughan Williams: Sinfonía nº 7 "Antártica"

Se acaban de entregar los Óscar y se me ha ocurrido traer por aquí alguna obra que esté muy relacionada con el cine, pero sin ser en realidad -o estrictamente- una banda sonora. Y he reparado en la Séptima Sinfonía de Ralph Vaughan Williams, que se titula Sinfonía Antártica porque proviene de la música que el compositor británico creó para una película del año 1948 titulada Scott of the Anctartic. Que la disfrutéis.

R. Strauss: "Morgen" (Elisabeth Schwarzkopf)

Seguimos de aniversarios. Este año, concretamente el 9 de de diciembre, se cumplirán 100 del nacimiento de una de las sopranos más importantes del siglo XX, Elisabeth Schwarzkopf. Por eso quiero empezar esta semana con ella cantando uno de los lieder más bellos de Richard Strauss: Morgen.

Sibelius: "Pélleas et Mélisande" Op. 46

También este año se conmemorarán los 150 del nacimiento de Jean Sibelius. Al igual que Nielsen, es fundamentalmente reconocido por sus siete sinfonías, aunque en el resto de su producción también se pueden encontrar grandes obras maestras. Hoy os traigo la música incidental que escribió para la representación de Pélleas et Mélisande, de Maurice Maeterlinck, una pieza que también inspiró a Debussy su única ópera y a Schoenberg un poema sinfónico. Dirige Sir Thomas Beecham y no es casualidad, pues fue en el Reino Unido donde antes se reconoció a Sibelius como gran compositor.

Nielsen: Concierto para flauta FS 119

En este año que acabamos de comenzar celebraremos el sesquicentenario de dos importantes compositores nórdicos, Carl Nielsen y Jean Sibelius. Empecemos con el danés, que vino al mundo en Sortelung el 9 de junio de 1865. Hace un par de entradas ya comenté de él que es especialmente conocido por sus seis sinfonías, pero también tiene otras obras dignas de mención. Una de ellas es este concierto para flauta, obra de 1926 que se encuadra dentro de un grupo de obras para instrumento de viento y orquesta que el compositor quiso crear para cada uno de los miembros del Quinteto de viento de Copenhague. Solo le dio lugar a acabar éste y el acaso más conocido Concierto para clarinete (1928).

Honegger: "Une cantate de Noël"

Quienes tengan la paciencia de seguir esta bitácora, sabrán que al llegar estas fechas siempre pongo aquí la música navideña que más me gusta y me conmueve, que no es otra que la cantata de Navidad que escribió Arthur Honegger en 1952-53. Es la mejor forma que se me ocurre de desear unas muy felices fiestas y un año 2015 infinitamente mejor que 2014 (seguro que no hay que esforzarse mucho para ello) a quien lea esto.

Nielsen: Drømmen om “Glade Jul” (Un sueño sobre "Noche de paz")

Se acerca la Navidad y es inevitable acordarse de música relacionada con esta época. Hoy os traigo una pieza no muy conocida del compositor danés Carl Nielsen, escrita en 1905, que es una especie de paráfrasis sobre el que posiblemente es el villancico más conocido del mundo. En sus menos de tres minutos de duración Nielsen nos da acaso una idea un punto melancólica de esta época que tantos critican por esa supuesta obligación de ser felices.

Satie: Tres "Gnossiennes"

Hay lunes que es mejor empezar con suavidad, con calma. Calma y hieratismo de sobra tienen estas piezas para piano del genial y "maldito" Erik Satie; se trata de tres de las seis Gnossiennes que escribió entre 1889 y 1897, las únicas que aparecieron publicadas durante su vida. Gnossienne es una palabra inventada por el propio Satie; según algunos, deriva de las sectas gnósticas con las que empezó a relacionarse en la época en que compuso estas piezas, según otros, proviene de Cnosos, la ciudad cretense centro de la civilización minoica, ya que las piezas estarían inspiradas en Teseo, Ariadna y el mito del Minotauro.

Glinka: Obertura española nº 2 ("Una noche de verano en Madrid") y un "bis"

Mijáil Glinka, iniciador de la escuela musical rusa, escribió dos oberturas sobre temas españoles tras venirnos a visitar en la primera mitad del siglo XIX. Celebérrima es su "Jota aragonesa" y no es menos conocida (aunque tal vez no tanto) la segunda de las oberturas, la que hoy os traigo, aquella en la que describe una noche estival en la villa y corte. Si no la conocéis, tal vez a partir del minuto 1:42 os suene mucho y os parezca que eso ya lo habíais oído:



Pues es cierto, seguro que os sonaba un montón, ya que es la misma melodía que muchos años después utilizó Gerónimo Giménez en su intermedio de "La boda de Luis Alonso", esa pieza que es "bis" habitual de numerosas orquestas españolas. Comprobadlo (desde el minuto 2:12):

Honegger: "Rugby" (Movimiento sinfónico nº 2)

El deporte y la música (no sé si bien o mal llamada) clásica parecen no estar muy relacionados. Sin embargo, ha habido compositores que se han animado a describir eventos deportivos con sus notas. Uno de los casos más conocidos es tal vez el del Movimiento sinfónico nº 2 de Arthur Honegger, titulado Rugby, escrito en 1928, en el que nos presenta un partido de este noble juego, que suele acabar con un "tercer tiempo" en el que corre la cerveza a raudales (y que probablemente no esté reflejado en la partitura).

R. Strauss: Concierto para oboe en re mayor

Ya que el tiempo parece definitivamente querer cuadrar con la estación del año, vamos a escuchar una obra que se podía llamar "otoñal", de un compositor al que el otoño y el invierno de su vida se le precipitaron. Se trata de Richard Strauss, que después del trauma de la guerra ya compuso muy pocas obras, unas obras que destacan por una belleza que en algunos casos (las "Cuatro últimas canciones", por ejemplo) roza lo ultraterreno.
La pieza de hoy es un concierto para oboe, que el anciano compositor escribió en 1945-46 a sugerencia de John de Lancie, soldado americano que tras el final de la guerra acertó a estar prestando servicio cerca de Garmisch, donde estaba la casa de Strauss. De Lancie era oboísta profesional (fue el primer oboe de la Orquesta de Filadelfia) y Strauss fue solo uno de los diversos compositores a los que hizo encargos. El concierto que escribió Strauss es una verdadera delicia, que contrasta con los duros momentos que estaba pasando no solo él sino todo su país.

Mahler: "El solitario en otoño" (de "Das Lied von der Erde")

Parece que por fin quiere entrar el otoño de verdad; para "celebrarlo" (yo soy más de verano) se me ha ocurrido empezar esta primera semana que realmente se corresponde con la época del año en que estamos con alguna pieza relacionada con la estación de los bellos colores en los bosques caducifolios (¡toma ya!) Y me he acordado del segundo movimiento de Das Lied von der Erde que se titula "El solitario en otoño" y se basa en un poema de Zhang Ji, que vivió en el siglo VIII de nuestra era:

Las nieblas otoñales ondean, azules sobre el mar;
toda la hierba se cubre de escarcha;
se diría que un artista ha extendido polvo de jade
sobre las delicadas flores.

El dulce perfume de las flores se ha evaporado;
un viento frío dobla los tallos.
Pronto flotarán las mustias y doradas hojas
de las flores de loto sobre el agua.

Mi corazón está cansado. Mi pequeña linterna
se apaga crepitando y me hace pensar en el descanso.
¡Voy hacia ti, querido último lugar de reposo!
¡Sí, dame tranquilidad, necesito tanto alivio!

Lloro muchísimo en mi soledad.
El otoño perdura demasiado en mi corazón.
Sol del amor, ¿ya no quieres brillar más
para secar tiernamente mis amargas lágrimas?

Dvořák: Concierto para violonchelo en si menor, Op. 104

Dvořák escribió su Concierto para violonchelo (en realidad habría que decir "Concierto nº 2", ya que hay otro de juventud, escrito en 1865, inacabado, completado por J. Burghauser) en 1894-95 y ha devenido en el más célebre de los escritos para este noble instrumento. Por ello he de concluir este mes del violonchelo con esta obra y con uno de sus mejores intérpretes, Mstislav Rostropovich. Que lo disfrutéis.

Saint-Saëns: Concierto para violonchelo nº 1

Sigo con Saint-Saëns en este mes otoñal -que está resultando más bien veraniego- dedicado al violonchelo. D. Camille escribió varios conciertos para este instrumento, de los cuales el primero es mi favorito. Aquí lo tenéis, interpretado por una de las más grandes violonchelistas del siglo XX.

Saint-Saëns: "El cisne" (de "El carnaval de los animales")

Seguimos con el violonchelo. ¡Quién le iba a decir a mi admirado Saint-Saëns que El carnaval de los animales, una obra "privada", casi hecha en broma y desde luego sin ninguna intención de ser presentada al gran público se iba a convertir en la más famosa de todas las suyas! Es otro episodio más del "calvario" de este compositor, al que creo que se trata muy injustamente. Pero esa es otra cuestión, ya que este mes estamos hablando del violonchelo y no de músicos incomprendidos. Resulta que una de las descripciones más poéticas que hizo D. Camille en esa obra es la del cisne, un fragmento para violonchelo y orquesta que se hizo universalmente célebre cuando en 1905 Mijáil Fokine realizó sobre él una coreografía que la inmortal Anna Pavlova interpretó miles de veces bajo el título de La muerte del cisne. Aquí os dejo esta evocadora pieza.

Beethoven: 12 variaciones para violonchelo y piano sobre "See the conqu'ring hero comes", de Händel, WoO45

Llegó octubre, entra con ganas el otoño y siempre en esta época empiezo a pensar en esos instrumentos musicales que parecen más propios de estos meses finales del año. En otras ocasiones he dedicado entradas al clarinete, esta vez va a ser el violonchelo el protagonista. Y comienzo con un conjunto de variaciones que Beethoven escribió para violonchelo y piano sobre un coro del oratorio Judas Macabeo, de su venerado Händel. Una melodía, por cierto, que seguro que muchos de los que la escuchéis habréis oído cientos de veces sin saber de dónde venía (como me pasó a mí).

Biber: Sonata representativa

En mis aficiones musicales muchas veces tengo la sensación de ser un "defensor de causas perdidas" dado mi gusto por compositores no muy habituales (Reger, Busoni, Respighi...) En el caso del barroco me pasa con Heinrich Ignaz Franz von Biber (1644-1704), tremendo virtuoso del violín y compositor visionario. Aquí os dejo un raro ejemplo de música rabiosamente descriptiva, su Sonata representativa.

Brahms: Obertura para un festival académico, Op. 80

Acaba de comenzar el curso y, pensando en una música apropiada para ello he caído en el resultado más obvio: la Obertura Académica de Brahms. La Universidad de Breslau (hoy Wroclaw, en Polonia), le otorgó un doctorado honoris causa y el compositor, en agradecimiento, escribió en 1880 esta pieza en la que cita diversas canciones estudiantiles de su época, difíciles de reconocer para nosotros, y culmina con algo que sí que nos sonará mucho a quienes trabajamos en la Universidad: el Gaudeamus igitur. Feliz curso académico a todo el mundo.

Bruckner: Salmo 150

Anton Bruckner es especialmente conocido por sus sinfonías y por los líos que se montan a su alrededor por la inmensa cantidad de versiones y ediciones que hay de ellas. También son conocidas sus tres misas numeradas y alguna que otra cosa más. Sin embargo, si se analiza el catálogo de sus obras, se verá que lo que más abunda en él son las obras vocales, ya sea para coro solo o acompañado de piano, órgano, conjunto de cámara u orquesta. La mayoría son obras religiosas, pero también alguna que otra profana, que casi siempre utilizan textos que tiran a patrioteros (por no decir otra cosa). Una de sus obras vocales que más me gusta es este arreglo del Salmo 150, para soprano, coro y orquesta, escrito en 1892 mientras luchaba por terminar su Novena Sinfonía. Aquí lo tenéis.

Smetana: "El Moldava"

Llegó septiembre y con él volvió la rutina. Una rutina que nos acompañará durante un largo periodo hasta que un nuevo verano -ya hablo del nuevo cuando aún no ha terminado este...- vuelva a ralentizar el ritmo de nuestras vidas. En estos días es cuando evocamos esos buenos momentos que nos han dado esas semanas de descanso y de desconexión... Para evocar, la música es una gran herramienta y pocas músicas son tan evocadoras como esta descripción que hizo Smetana del Moldava, el río que pasa por Praga y riega sus tierras bohemias... Y nadie mejor que Rafael Kubelik, de quien este año celebramos el centenario de su nacimiento, para ejercer de maestro de ceremonias. Y si es con la Filarmónica Checa y en el concierto que supuso el retorno a su país natal tras la Revolución de Terciopelo, mucho mejor...

Offenbach: Obertura de "La belle Hélène"

Si en el ámbito germánico la familia Strauss es la cúspide en lo que hemos dado en llamar "música ligera", en Francia lo es Jacques Offenbach (el cual, curiosamente -como delata su apellido- fue asimismo de origen alemán: nació en Colonia en 1819). Autor de numerosas operetas, compositor de algunas de las melodías más célebres de la historia (piénsese en el Can-can), también quiso hacer su incursión en el campo de la música que hemos dado en llamar "seria" con sus también archiconocidos Cuentos de Hoffmann, ópera que dejó inconclusa a su muerte, en 1881. Lo que os traigo hoy es la obertura de otra de sus muchas operetas: La belle Hélène, que, con librero de Meilhac y Halévy (los mismos que escribieron el de Carmen para Bizet) se estrenó en el Théâtre des Varietés de París el 17 de diciembre de 1864.

Josef Strauss: "Delirien", Op. 212

No abandono la dinastía de los Strauss, imprescindible si estamos hablando de la música (¿mal?) llamada "ligera". Si bien la mayor parte de la fama se la llevó Johann hijo, varios de sus hermanos también fueron importantes compositores en este campo y uno de ellos, Josef, muerto prematuramente a los 43 años en 1870, incluso es considerado por algunos el más talentoso de todos, ya que su música en ocasiones era de "mayor profundidad" -en palabras de John Parry(*)- que la de su famoso hermano. Os traigo como muestra su vals Delirien, escrito para el baile de los médicos del año 1867 y cuyo comienzo es una especie de descripción sinfónica de la mala situación de la medicina en la época. La grabación procede del Concierto de Año Nuevo de 1973 y está dirigido por el mítico Wili Boskovsky.

(*) En su comentario escrito en el álbum de 6 CD con Valses, Polcas y Mazurcas de la familia Strauss (Decca 455 254-2)

Johann Strauss (hijo): "Die Fledermaus"

Con relación a esto de la "música ligera" o "para divertirse", me viene al pelo un texto que encuentro en la carpeta del último LP de vinilo que me compré, hace ya 25 años; su autor es Volker Scherliess y dice:

En la vida musical, en el sentido más corriente del término, se ha introducido una diferencia entre dos tipos de música que, aparentemente, se oponen radicalmente uno a otro: música ligera y música seria. En la primera categoría nos encontraríamos con la que sirve para divertir al oyente -desde el éxito popular que ayuda a distraerse después de una jornada de trabajo hasta la música de fondo que se escucha en compañía agradable, pasando por la música de baile o la que oímos constantemente en los lugares públicos; en resumen: toda aquella música que no requiere  necesariamente una escucha atenta y consciente. Por música seria se entiende toda la que constituye un arte en su más amplia acepción, de la vanguardia contemporánea a los "organa" de Perotinus Magnus, incluyendo casi automáticamente toda la música de épocas anteriores a la nuestra. Incluso las obras barrocas o clásicas que en su tiempo no tuvieron otro fin que el de divertir al público constituyen hoy para  nosotros obras "serias", documentos de un gran valor artístico. Es casi imposible decir en qué momento se produjo esta separación (el concepto romántico-idealista de la obra musical tuvo sin duda un papel decisivo en ello), pero es cierto que en muchas ocasiones dicha separación se realiza de manera arbitraria y que se aleja de su significado original.

Herr Scherliess se refería en su texto a la Kleine Nachtmusik y a la Serenata Posthorn de Mozart, obras sin duda pensadas para divertir a su público y, por tanto, encuadrables en la "música ligera". Pero claro, si comparamos esto con lo que hoy en día sería equiparable (por ejemplo, las diversas "canciones del verano"), tal vez no tendríamos las mismas dudas que el autor.

Pero vayamos a la música. Muchos vemos todos los unos de enero el Concierto de Año Nuevo de Viena (aunque esté de moda entre los esnobs decir que no, que lo odian, etc.) Es una tradición muy célebre; tal vez no lo es tanto otra: la representación en Noche Vieja, también en Viena (y en otros lugares) de la que acaso sea la más conocida opereta de Johann Strauss (hijo): El murciélago. Aquí os la traigo en una versión soberbia que incluye unos nombres que quitan el hipo: Janowitz, Windgassen, Wächter y, en el foso, Karl Böhm.

Mozart: "Eine musikalischer Spass" KV 522

Agosto es el mes en que todo parece ir más lento: la gente se va de vacaciones y la tensión habitual parece relajarse. Creo que esto no es más que un tópico, pero está tan arraigado que lo daremos por válido. Por eso voy a dedicar las entradas de este mes a música ligerita, música que se hizo para divertir y no para suscitar cuestiones metafísicas a sus oyentes. Empecemos bien, con Mozart, con su "Broma musical" escrita en 1787 para reírse de los músicos de tercera categoría que se las daban de virtuosos. Trompas desafinadas, violines que quieren subir tan alto que rompen sus cuerdas y unos últimos compases que podría haber firmado cualquier discípulo de Webern. A disfrutar.

Zemlinsky: "Sinfonía Lírica" Op. 18

Acabo este pequeño homenaje a Zemlinsky en este mes de julio con la que seguramente es su obra más conocida: la Lyrische Symphonie, escrita en 1922 y que consiste en la puesta en música de siete poemas de Rabindranath Tagore que se enlazan entre sí por medio de una serie de interludios. Es inevitable trazar un paralelismo con La canción de la Tierra de Mahler por la forma de la obra (un ciclo sinfónico de canciones o una sinfonía para voces solistas y orquesta, con alternancia de voz masculina y femenina y con poemas de origen oriental). Sin embargo, Zemlinsky confiere a su obra un carácter mucho más unitario, lo que hace que se convierta casi en una sinfonía en un movimiento. Alban Berg, conspicuo admirador de Zemlinsky, tuvo mucha estima a esta sinfonía, tanto como para tomar prestado su título para su propia Suite lírica, en cuyo Adagio appassionato hace una cita literal del tercer movimiento de la obra de Zemlinsky.

Zemlinsky: "Hochzeitgesang" (Canto nupcial)

Si bien Anton, el padre de Zemlinsky, era de origen católico, se convirtió en 1870 al judaísmo para casarse con Clara, nacida en Sarajevo en el seno de una familia sefardita. De joven, Alexander fue asiduo de la sinagoga y allí interpretó música; de toda su producción solo se conserva una pieza basada en textos litúrgicos judíos, es esta breve canción nupcial ("Baruch aba, mi adir"), que data de 1896. Es un enlace de Spotify, ya que no la he encontrado en Youtube:

Lothar Blum/Mülheimer Kantorei/Romano Giefer/Gürzenich-Orchester Kölner Philharmoniker/James Conlon – Hochzeitsgesang ("Baruch aba, mir adir") · für Tenor solo, Chor und Orgel

Zemlinsky: "Der Zwerg"

En la entrada anterior hablé del fuerte desengaño amoroso sufrido por Zemlinsky cuando Alma Schindler le dejó por Mahler. Fue un golpe del que tal vez nunca se pudo recuperar. Tras la muerte de Mahler, Zemlinsky buscó una catarsis en la composición de grandes obras que contuviesen la "tragedia de un hombre feo", tal y como le pidió al compositor y libretista Franz Schreker en 1912. Finalmente Zemlinsky no llegó a componer nada sobre lo escrito por Schreker, pero en años posteriores logró su objetivo poniendo música a dos piezas de Oscar Wilde: el resultado fueron las óperas Una tragedia florentina (1915-16) y Der Zwerg ("El enano"), que es la que hoy os traigo, basada en el relato The Birthday of the Infanta. Según el adaptador del libreto, Georg Klaren, se trataba de

La historia de un individuo que no sabe que es diferente de aquellos que le rodean. Es destruido por una mujer que, en lugar de penetrar en las profundidades de su alma, simplemente juega con él.

Para recalcar aún más el carácter autobiográfico de la obra, Zemlinsky y Klaren hacen que el enano, que en el cuento de Wilde es un semisalvaje hijo de un carbonero de un bosque vecino, tenga un supuesto carácter noble y origen oriental (alusión al "von" que, sin tener derecho a ello, el padre del compositor antepuso a su apellido y también a los ancestros turco-sefardíes de su madre). La obra, escrita entre 1920 y 1921, se estrenó en Colonia el 28 de mayo de 1922 y tuvo algunas representaciones en años posteriores, pero no se redescubrió hasta 1980, llena de cortes y correcciones. No fue hasta la grabación realizada por James Conlon en 1996 cuando se pudo volver a oír la versión original, que es la que os traigo.



(P. D.- Dejé programado este mensaje para que apareciese el lunes 14 de julio, pero no ha funcionado. Más vale tarde que nunca. Y lo mismo va a valer para el próximo, que tendría que haber aparecido el día 21.)

Zemlinsky: Die Seejungfrau ("La sirena")

1996 señala el 125º aniversario del nacimiento de Zemlinsky. En Colonia, donde se estrenó [la ópera] Der Zwerg en 1922, hemos iniciado una importante retrospectiva de sus obras. En Alemania y Austria Zemlinsky ha disfrutado de un resurgimiento en los últimos 20 años, pero sus obras aún no son suficientemente conocidas en el resto de Europa, América y Oriente. Estoy convencido de que ha llegado el momento en el que, en unos cuantos años, un público amplio y entusiasta conocerá y estimará su música.

Lo anterior lo escribió hace 18 años James Conlon, director estadounidense hoy titular de la Ópera de Los Ángeles y entonces al frente de la Orquesta Filarmónica Gürzenich de Colonia, y me temo que no son unas frases demasiado proféticas. Alexander von Zemlinsky aún sigue siendo un desconocido para el gran público. Nacido en Viena en 1871, de ascendencia eslovaca y judeo-sefardita, fue amigo, maestro e incluso cuñado de Schoenberg, a quien, sin embargo, no acompañó en su viaje sin retorno a la atonalidad. En su tiempo fue considerado uno de los mejores directores de orquesta y ocupó puestos en Viena, Praga y Berlín. Con el advenimiento del nazismo hubo de huir primero a Viena y luego a Estados Unidos, donde muríó olvidado en 1942. Su música, tardorromántica, es enormemente disfrutable y por ello le voy a dedicar las entradas de este mes de julio. La primera obra que os traigo está relacionada con un fracaso amoroso. Zemlinsky, bajito y feo, poco tenía que ofrecer al menos en apariencia; cierta dama, al verle dirigir en febrero de 1900 en Viena, escribió en su diario: "El hombre forma la figura más cómica imaginable - una caricatura, apocado y corto, con ojos saltones." Esta joven dama, que respondía al nombre de Alma Schindler, le conoció a las pocas semanas y, a pesar de esa primera opinión, pronto se convirtió en su alumna de composición musical y después en su apasionada amante y en su principal fuente de inspiración. Pero en noviembre de 1901 se cruzó en su camino un tal Gustav Mahler y el flechazo hubo de ser instantáneo; al mes siguiente la prensa anunció el compromiso matrimonial de Alma y Gustav. El golpe fue brutal para Zemlinsky; de un plumazo se quedó sin amante y sin musa. La consecuencia fue esta obra, basada en el célebre cuento de Hans Christian Andersen, que escribió entre 1902 y 1903, en la que intentó reflejar sus sentimientos de desesperación. Os la traigo en la versión de otro director que procuró dar un impulso a la obra de este músico, Riccardo Chailly.

Beethoven: Trío para piano en si bemol mayor Op. 97 "Archiduque"

Y, como no podía ser de otra manera, termino este mes dedicado al trío para piano, violín y violonchelo con la obra culminante para este conjunto de Beethoven, el Trío Archiduque, escrito en 1811. Beethoven dio gran importancia a esta formación de cámara: no en vano, las primeras obras que consideró dignas de llevar un número de opus fueron tres tríos compuestos en sus primeros años de Viena y que pensó le darían un nombre como compositor y no simplemente como virtuoso del piano. Aquí tenéis este trío interpretado por uno de los más célebres conjuntos de cámara de todos los tiempos, el Trío Beaux Arts.

Ravel: Trío para piano en la menor

Del Trío de Ravel se suele decir algo semejante al de Chaikovsky: también es una obra para que la toquen grandes solistas antes que conjuntos estables. Por eso os lo traigo en una grabación histórica (1954) de esta pieza escrita en 1914 en la que destaca el nombre del gran pianista francés de origen lituano Vlado Perlemuter.

Chaikovsky: Trío en la menor Op. 50

Del peculiar trío para piano, violín y violonchelo de Chaikovsky se suele decir que es más para un trío de grandes solistas que para un conjunto habitual de cámara. Una muestra clara puede ser la de la versión que os traigo, protagonizada nada menos que por Rubinstein, Heifetz y Piatigorsky. Hay un curioso chascarrillo relacionado con este trío de estrellas que dio varios conciertos por Estados Unidos a finales de los años 40 del siglo pasado. Siempre se anunciaban los nombres así: Rubinstein, Heifetz y Piatigorsky. Herido el ego del gran violinista por ello, se quejó e indicó que en alguna ocasión se podría variar el orden, a lo que D. Arthur contestó: "Los nombres se indican así por tradición: piano, violín y violonchelo; de modo que si Dios tocase el violín, se habría de anunciar a Rubinstein, Dios y Piatigorsky."

Schubert: Trío en si bemol mayor D. 898

Siguiendo con los tríos para piano, violín y violonchelo, llega el turno de Franz Schubert. Muy conocido por sus lieder, ya sea independientes o en sus geniales ciclos como Winterreise, tal vez también por sus dos últimas sinfonías, la Inacabada y la Grande, Schubert dejó asimismo un importante legado en la música de cámara, con numerosos cuartetos, y sus celebérrimos Octeto para viento y cuerda y Quinteto para piano y cuerda La trucha. También escribió tríos para cuerda y para piano y cuerda; en concreto, para esta última combinación, compuso dos tríos completos y dos fragmentos, uno muy temprano (1812) conocido como "Sonata" y un Notturno que data de la misma época de las dos obras completas, esto es, 1827-28. Os traigo hoy el primero de los dos tríos, el que está en si bemol mayor y lleva el número de catálogo 898. Los intérpretes son de garantía: Istomin, Stern y Rose.

Saint-Saëns: Trío para piano, violín y violonchelo nº 1 en fa mayor Op. 18

En la música de cámara, el trío formado por un piano, un violín y un violonchelo es tal vez el conjunto más importante detrás del cuarteto de cuerda. Muchos grandes compositores han dejado su impronta en esta formación y, aprovechando que recientemente una amiga se ha convertido en miembro del más renombrado trío de piano y cuerda de España, voy a dedicar, en su honor, este mes a composiciones de este tipo que me gustan especialmente. Empezaré con el primero de los dos que escribió mi admirado Saint-Saëns, una verdadera delicia, que data de 1863. Y los intérpretes son de los que quitan el hipo.

Beethoven: Sonata "Hammerklavier" (Arrau)

El lunes pasado fue de alegrías, este no tanto. Otra vez nos quedamos a las puertas... Pero volveremos. Ayer le comenté a un amigo que había acudido a Beethoven y a Arrau para levantar el ánimo y hoy lo voy a compartir aquí. La más importante sonata para piano de Beethoven en una gran interpretación. A disfrutarla.

Schumann: Sinfonía nº 3 en mi bemol mayor Op. 97, "Renana"

Ya me salté la semana pasada... Y hoy llevaba el mismo camino, pero hasta las 12 de la noche sigue siendo lunes, así que estamos a tiempo. Ha sido un fin de semana de grandes alegrías, ya que 18 años después, mi Atleti se ha vuelto a proclamar campeón de una Liga que incluye al Madrid y al Barça (y al campeón de la Europa League, el Sevilla). No sé cuántos equipos de Europa serían capaces de algo semejante. Por eso lo que os traigo hoy es una música que, siempre que escucho los primeros compases de su movimiento inicial, me suscita el pensamiento de que fue compuesta por un hombre plenamente feliz. Se trata de la Sinfonía Renana, aquí interpretada por el genio Klemperer.

Beethoven: Sonata para violín y piano nº 9 en la mayor Op. 47 "Kreutzer"

Los lunes son, de por sí, días terribles, pero si además se une que es un lunes que sigue a un largo puente, hay que ser una especie de héroe para aguantarlo. Y de ahí me ha venido la idea de traer hoy por aquí una de las obras más significativas del que algunos dieron en llamar "periodo heroico" de Beethoven, la sonata para violín y piano que escribió entre 1802 y 1803 y que dedicó al virtuoso francés Rodolphe Kreutzer (cuyo nombre lleva inmerecidamente la pieza, ya que no hizo el menor caso de ella y casi con total seguridad jamás la interpretó). Otro célebre violinista, el mulato George Bridgetower, primer destinatario de la dedicatoria, estrenó la sonata junto al propio Beethoven el 24 de mayo de 1803. La versión que os propongo tampoco es moco de pavo, el mítico tándem Oistrakh-Oborin.

Falla: "En el Generalife"

Tras un receso debido a unas breves vacaciones, volvemos a la carga. En el aludido receso he tenido la oportunidad de volver a Granada y, por tanto, de realizar mi tercera visita a la Alhambra. A pesar de que ahora hay muchas más restricciones (mi anterior estancia se remonta a 1983) y los visitantes tienen muy poca libertad para disfrutar de aquella maravilla del arte nazarí, su capacidad de evocación y de asombrar a quien la contempla sigue intacta. Ese poder también tuvo su influjo sobre Manuel de Falla, que dedicó la primera de las tres partes de sus Noches en los jardines de España al palacio veraniego de los reyes de Granada, el Generalife. Aquí la tenéis protagonizada por una de nuestras pianistas más universales, Alicia de Larrocha.

Mendelssohn: Sinfonía nº 3 en la menor "Escocesa"

Quizá ya haya dicho por aquí el motivo por el que creo que se infravalora a Mendelssohn, por el que se le considera "un número uno, pero de la segunda fila". Su vida carece por completo de los tintes novelescos que parece han de perseguir a los verdaderos genios. No pasó hambre ni privaciones, no participó en ninguna revolución, no padeció las consecuencias de ninguna guerra... Lo único que cumple para tener ese halo de leyenda fue su prematura muerte, a los 38 años de edad. Pertenecía a una familia culta (el célebre filósofo Moses Mendelssohn fue abuelo suyo) y acomodada, convertida al protestantismo, parte de la alta burguesía. Tuvo una refinada educación y se relacionó con lo más florido de la cultura alemana de la época, Goethe incluido. Sus obras tienen una rara perfección y, aunque no se puede decir que fuese un revolucionario musical, creo que se merecería estar entre las cumbres de la música germánica de la primera mitad del siglo XIX. Hoy os traigo un ejemplo de esa perfección, su Tercera Sinfonía, conocida como Sinfonía Escocesa.

Dvorák: Sinfonía nº 9 en mi menor "Nuevo Mundo" (primer movimiento) - Giulini

Otra de las muchas conmemoraciones de este año es el centenario del gran director italiano Carlo Maria Giulini. Para mi pequeño homenaje he hecho una búsqueda que no es casual y ha sido infructuosa. Digo que no es casual porque mi primer disco de música de la llamada clásica fue un regalo que me hicieron allá por 1978 y era una grabación de la Novena Sinfonía de Dvorák interpretada por la Sinfónica de Chicago y dirigida por Giulini. Por aquella época esta obra era ya celebérrima, entre otras cosas porque ponía música al anuncio de un extinto banco público. Y digo que ha sido infructuosa porque no he encontrado esa versión en YouTube. Mas, a falta de Chicago, buena es la Philharmonia, y la interpretación que os traigo, también dirigida por Giulini, se debe a esa magnífica orquesta londinense.

Busoni: "Sonatina seconda" para piano

Ferruccio Busoni es un músico peculiar por diversos motivos. Aunque nació en Italia, vivió en Alemania casi toda su vida y en su música muy pocos rasgos se pueden vislumbrar de su origen meridional. Por otra parte, si bien como teórico alentó las vanguardias, él poco se salió de lo que se podrían considerar los límites tradicionales de la tonalidad. Fue, además, un pianista virtuoso y transcribió numerosas obras de Bach. La obra que os presento hoy está considerada por algunos como una de las más avanzadas que escribió; se trata de la breve Sonatina seconda, que data del año 1912.

Saint-Saëns: Sexteto del Salmo XVIII Op, 42

Siempre que puedo, reivindico a mi admiradísimo Camille Saint-Saëns, un compositor tachado casi siempre de académico, conservador y otras lindezas. Sin embargo, en su amplia producción se pueden encontrar muchas maravillas, algunas muy conocidas y otras no tanto, como este Salmo XVIII, escrito entre 1865 y 1873, que muestra la rara sensibilidad que tenía un músico declaradamente ateo para tratar lo religioso.

Lohengrin: "In fernem Land" (W. Windgassen)

Este año de 2014 se cumplirá también el centenario del nacimiento de Wolfgang Windgassen, gran intérprete wagneriano. Quizá no colme la satisfacción de los operistas más estrictos, pero de él llegó a decir Wieland Wagner que si alguna vez, por el motivo que fuere, no podía cantar, él casi se tendría que ver obligado a colgar en Bayreuth el cartel de "Festpielhaus cerrada por falta de Heldentenor". Aquí os lo dejo en un pasaje de Lohengrin.

Gluck: "Che puro ciel", de "Orfeo ed Euridice"

Este año de 2014 se conmemora también el tricentenario de un músico que revolucionó la ópera, que hizo que el género saliese del Barroco y entrase en el Clasicismo, Christoph Willibald Gluck. Tal vez su obra más famosa sea Orfeo y Eurídice, la que marcó el punto de inflexión en la historia de la ópera (curiosamente, el mismo asunto que otro de los títulos capitales del género, el Orfeo de  Monteverdi). Os dejo uno de mis pasajes favoritos, en su versión italiana.

Leclair: Concierto para violín Op. 7 nº 3

Jean-Marie Leclair, a quien se considera creador de la escuela violinística francesa, murió el mismo año que Rameau, esto es, 1764, pero a diferencia del de Dijon no lo hizo de viejo, sino asesinado, seguramente por un sobrino, que jamás fue llevado a juicio por ello. Leclair logró con éxito amoldar el estilo italiano al gusto francés y lograr una síntesis de ambos. Esto se puede ver claramente en sus conciertos para violín, uno de los cuales os traigo hoy por aquí.

Rameau: Suite de "Les Boréades"

Este año se cumplen 250 de la muerte de uno de los grandes nombres de la ópera barroca francesa: Jean-Philippe Rameau. Llegó tarde al medio (su primera ópera la compuso en 1733, con cincuenta años de edad) pero su huella fue indeleble en él. Su larga vida le permitió que su última ópera, Les Boréades, fuese contemporánea de las primeras sinfonías y cuartetos de Haydn y de los primeros intentos en la composición de un Mozart que ya era un genio de niño. Aquí tenéis la suite de esta ópera, escrita en 1763 y que, aunque se llegó a ensayar, no se interpretó en vida de su autor.

Richard Strauss: Concierto para trompa nº 2

Con tan solo 19 años, Richard Strauss escribió un primer concierto para trompa, el instrumento que tocaba su padre en la orquesta del rey de Baviera y por el que sentía un aprecio especial (por el instrumento; supongo que también lo sentía por su padre...) Casi sesenta años después, en plena segunda guerra mundial y culminado su ciclo operístico con Capriccio, el compositor volvió a la música instrumental, casi abandonada por él desde hacía casi 30 años, con un segundo concierto con el que se podría decir que comienzan esas piezas orquestales y concertantes tan características de su última época (Metamorfosis, el Concierto para oboe, el Concertino-dúo para clarinete y fagot...)

Richard Strauss: Vals de "Schlagobers"

A Richard Strauss se le reprocharon muchas cosas a lo largo de su vida, unas con más razón que otras. Los que vieron en él un paladín de la modernidad tras los estrenos de sus óperas Salome y Elektra se llevaron un buen chasco al ver que dejaba de lado ese camino en su siguiente obra, la comedia El caballero de la rosa, muy lejos del expresionismo de sus predecesoras y repleta de valses y otras supuestas frivolidades. Otros dijeron que sus Cuatro últimas canciones se habían escrito con 50 años de retraso. Eso por no hablar de su egolatría (llegó a escribir una Sinfonia Domestica que describía su vida diaria; en Una vida de héroe relata su quehacer profesional y su lucha -victoriosa- con los críticos, e incluso compuso una ópera, Intermezzo, basada en un problema conyugal propio), su equívoca relación con el nazismo... Otra de sus boutades fue estrenar un ballet en el que sus protagonistas son pastelitos y otras delicatessen que cobran vida, precisamente en la época de entreguerras, cuando más penurias y hambre estaba pasando la gente, especialmente en Viena, donde se presentó el 9 de mayo de 1924. He aquí el vals de esta obra poco conocida del bávaro.

Richard Strauss: Concierto para oboe y pequeña orquesta

Tras un breve descanso navideño, empezamos el año con música de un compositor sobre el que sin duda se va a hablar mucho en 2014 dado que se cumplen 150 años de su nacimiento: Richard Strauss. Y lo quiero hacer con una obra de su última época, el delicioso Concierto para oboe y pequeña orquesta.



Evidentemente, este aniversario (que se celebrará el 11 de junio) será uno de los que más marcará este año, pero también hay otros "números redondos" que deberían mencionarse:

Enero

• El 24 se cumplirán 75 años de la muerte en Cuernavaca (México) de Manuel Penella, autor de El gato montés.

Marzo

• El 8 se cumplirán 300 años del nacimiento en Weimar de Carl Philipp Emmanuel Bach, que en tiempos llegó a ser más famoso que su padre.

Abril

• El 8 se cumplirán 125 años del nacimiento en Chester del director Sir Adrian Boult.

Mayo

• El 9 se cumplirán 100 años del nacimiento en Barletta del director Carlo Maria Giulini
• El 18 se cumplirán 100 años del nacimiento en Plovdiv del gran bajo Boris Christoff

Junio

• El 26 se cumplirán 100 años del nacimiento en Annemesse (Alta Saboya) del gran tenor wagneriano Wolfgang Windgassen.
• El 29 se cumplirán 100 años del nacimiento en Býchory del director Rafael Kubelik

Julio

• El 1 se cumplirán 50 años de la muerte en Hancock, Maine, del director Pierre Monteux
• El 2 se cumplirán 300 años del nacimiento en Ersbach de Christoph Wilibald Gluck, artífice de una de las más importantes reformas de la ópera como género musical.
• El 3 cumplirá 75 años la gran mezzosoprano berlinesa Brigitte Fassbaender
• El 16 se cumplirán 25 años de la muerte en Anif de Herbert von Karajan, tal vez el más célebre director de orquesta de la historia.
• El 22 se cumplirán 25 años de la muerte en Jiva del gran bajo finlandés Marti Talvela.

Agosto

• El 1 se cumplirán 25 años de la muerte en Londres del pianista John Ogdon.
• El 9 se cumplirán 100 años del nacimiento en Budapest del director Ferenc Fricsay.

Septiembre

• El 12 se cumplirán 250 años de la muerte en París de Jean-Philippe Rameau, uno de los grandes de la ópera barroca francesa.
• El 13 hubiese cumplido 75 años la malograda mezzosoprano estadounidense (nacida en Los Ángeles) Arlene Augér.

Octubre

• El 10 se cumplirán 250 años de la muerte en París de Jean Marie Leclair.

Noviembre

• El 5 se cumplirán 25 años de la muerte en Nueva York. del pianista estadounidense de origen ucraniano Vladimir Horowitz.
• El 12 hubiera cumplido 75 años la malograda soprano austriaca de origen eslovaco (nacida en Uhorska) Lucia Popp.

Feliz Navidad, con Honegger (Une cantate de Noël)

Quienes tengáis la paciencia de seguir esta bitácora musical, posiblemente sabréis que mi pieza favorita relacionada con estas fechas tan especiales es la Cantata de Navidad de Arthur Honegger. Con esta bella música, sin más, os deseo una muy feliz Navidad a la vez que os agradezco que estéis ahí..

Feliz cumpleaños, Don Ludwig

Beethoven nació en el segundo piso de la vivienda en la que en ese momento moraba el matrimonio, la llamada casa Graus, en el número 515 de la Bonngasse, donde actualmente se halla la Beethovenhaus. No se sabe la fecha exacta del nacimiento; sí del bautizo, que tuvo lugar en la parroquia de San Remigio el 17 de diciembre de 1770. Figuran como padrinos el abuelo Ludwig y Gertrud Müllers dicta Baums, la esposa del vecino de al lado, Johann Baums, que trabajaba en la bodega del elector.

Así, con una cita de mi inédita Vida de Ludwig van Beethoven (que solo conocen algunos amigos) comienzo la entrada correspondiente al 16 de diciembre, el día en que seguramente hemos de conmemorar el nacimiento del Genio de los Genios, dada la costumbre de las zonas católicas de cristianar a los recién nacidos sin demora. Así que es muy probable que el 16 de diciembre de 1770 viniera al mundo Ludwig van Beethoven. No podía, yo que soy un admirador incondicional, sino homenajearle en este humilde rincón de la blogosfera. Y por ello he aquí una selección de lo mejorcito de su producción (que ya es mucho decir).

Michel Legrand: Música para "El verano de Picasso"

En 1969 se rodó una película titulada The Picasso Summer, basada en un relato de Ray Bradbury. No tuvo demasiada suerte y ni siquiera se llegó a estrenar en cines. Hace muchísimo tiempo la pusieron por televisión y la vi. Prácticamente no recuerdo nada de ella, pero lo que sí que me dejó una huella imborrable fue su extraordinaria banda sonora, firmada por Michel Legrand, autor de más de 200 partituras de este tipo y ganador de tres premios Oscar. Advertencia: la música es tan pegadiza que puede meterse en el cerebro y salir difícilmente. En mi caso estuvo latente durante lustros hasta que la volví a escuchar gracias a Youtube y me la volví a encontrar intacta...

Verdi: Himno de las Naciones y un pequeño homenaje a Maria Callas

Está acabando el año Verdi y no puedo dejar de rendir tributo al gran operista italiano del siglo XIX; lo voy a hacer con una obra muy poco conocida, el Himno de las Naciones, en el cual homenajea a Francia, Inglaterra y a su propio país, Italia. En diciembre de 1943 Arturo Toscanini lo interpretó en una emisión que fue radiada a todo el país. Como símbolo de la unión de estas naciones, junto a la URSS y a los Estados Unidos, en la lucha contra la Alemania de Hitler, el gran director italiano añadió una coda de su propia cosecha con los himnos de esos dos países. Por entonces, el himno nacional de la URSS era La Internacional, por lo cual su célebre melodía se hubo de escuchar en todos los hogares americanos, pero llegó la guerra fría y en la filmación que en principio se difundió de esa emisión radiofónica se eliminó ese pasaje y directamente se iba al himno estadounidense. He aquí la versión censurada:



Y he aquí la segunda parte de la versión no censurada (desde 7:46) se escucha La Internacional.



Ya que he puesto dos vídeos en esta entrada, no creo que pase nada por añadir un tercero. Hoy hubiese cumplido 90 años uno de los grandes nombres de la lírica universal, Maria Callas, que también fue una gran intérprete de Verdi; aquí la tenéis en el "O patria mia" de Aida

Hindemith: Concierto para orquesta Op. 38

Hindemith tuvo serios problemas con los nazis: su esposa era de origen judío. Por tanto, su música fue proscrita por el régimen. Wilhelm Furtwängler, sin embargo, se empecinó en interpretarla, lo cual también le supuso un serio roce con Hitler y sus secuaces. También estrenó algunas de las piezas de Hindemith e interpretó en bastantes ocasiones su música. Para terminar este pequeño homenaje al músico alemán en su cincuentenario, traigo hoy su Concierto para orquesta, interpretado precisamente por Furtwängler.

Hindemith: Kammermusik nº 6 (Concierto para viola d'amore y orquesta de cámara)

Hindemith escribió siete piezas a las que tituló "Kammermusik", la mayoría de las cuales son en realidad pequeños conciertos para diferentes instrumentos solistas y orquesta de cámara. En la número 6, compuesta en 1927, la que hoy os traigo, resucitó a la viola d'amore, un instrumento que estaba en desuso desde el siglo XVIII.

Hindemith: Sonata para piano nº 3

Con un día y medio de retraso sobre lo habitual, que son los lunes, prosigo con mi pequeño homenaje a Paul Hindemith en el 50º aniversario de su muerte con una de sus obras menos frecuentadas (la verdad es que este título dudosamente honorífico tiene muchas novias, ya que su música en general, con muy pocas excepciones, no es que sea precisamente muy frecuentada) en la interpretación de un sorprendente defensor, Glenn Gould, que ya incluyó esta sonata en su primera actuación en la radio canadiense, en diciembre de 1950. La obra había sido compuesta solo catorce años antes, en 1936.

Hindemith: Der Schwanendreher

Cerca ya de acabar este 2013, año en el que se ha hablado mucho de compositores como Verdi, Wagner o Britten (de los que se cumplían sus centenarios), quisiera acordarme de Paul Hindemith, de quien también se conmemora el 50º aniversario de su muerte (en concreto el 28 de diciembre) y que ha pasado bastante desapercibido. Así que voy a dedicar noviembre a este compositor, a veces difícil, a veces no tanto, pero del que sin duda no huirían aquellos que entran en pánico cuando se trata de música del siglo XX. Empecemos con un concierto para el instrumento del que Hindemith fue un consumado virtuoso: la viola. Se trata de Der Schwanendreher (que se podría traducir como "el girador de cisnes", esto es, aquel pinche de cocina que giraba el instrumento en el que se había espetado un cisne sobre el fuego para asarlo, muy típico del Medievo), obra de 1935 construida sobre antiguas canciones populares.

Reger: Quinteto para clarinete en la mayor Op. 146

Acaba ya este octubre que de otoñal ha tenido poco y concluye asimismo esta serie de quintetos para clarinete y cuerda que os he traído. Y qué mejor final que la obra que compuso en 1915 Max Reger, una de las últimas que escribió, en su llamado "estilo libre de Jena", mucho más sereno y reposado que el de las ásperas obras de cámara que le supusieron tanta fama como desprecio de la crítica académica.

Brahms: Quinteto para clarinete en si menor, Op. 115

Al final de su carrera creadora (muy tópico sería decir eso de "en el otoño de su vida", lo cual además no procedería, ya que murió antes de tiempo), dedicó Brahms magníficas obras al instrumento al que llamaba Fraülein Klarinette, es decir, "señorita Clarinete": un trío, dos sonatas y su Quinteto en si menor, escrito en 1891, que es lo que viene a continuación.

Weber: Quinteto para clarinete y cuerda en si bemol mayor Op. 34

Carl Maria von Weber, más conocido por sus óperas y, especialmente, por su trascendental Freischütz, también escribió bastante música instrumental. El clarinete estaba entre sus instrumentos predilectos, a juzgar por el notable conjunto de piezas de su catálogo que lo tienen como protagonista. Tal vez la obra más conocida sea este quinteto en si bemol mayor, con el que continuo la serie del mes de octubre. A disfrutarlo.

Mozart: Quinteto para clarinete y cuerda en la mayor KV 581

Llegó el otoño y voy a caer en un tópico: el del clarinete como instrumento que evoca ambientes de esta estación del año. Tal vez su tono un tanto melancólico recuerde esos cielos grises, esas tardes de lluvia contempladas desde el refugio del cristal de una ventana, esos paseos sobre la hojarasca junto al ser amado, etc. Así que este mes de octubre va a estar dedicado al clarinete, siempre acompañado por un cuarteto de cuerda; traeré cuatro célebres piezas de cuatro compositores que tuvieron alta estima por este instrumento, que empezó a utilizarse en los primeros años del siglo XVIII. El orden será cronológico: empezaré con Mozart y su quinteto, escrito en el año 1789.

Bach: Suite para violonchelo solo nº 1 en sol mayor BWV 1007

Acaba septiembre y, por tanto, cierro este espacio dedicado a las obras de Bach para instrumentos sin acompañamiento, con una de sus piezas que más me gusta y que siempre que escucho me pone los pelos de punta. Se trata de la primera de las seis suites para violonchelo solo que escribió entre 1720 y 1724, interpretada por quien las sacó del injusto olvido que padecían: Pau Casals.

Bach: Partita para violín solo nº 3, BWV 1006

Seguimos con una de las más célebres obras para violín solo de las que escribió Bach y de la historia: su primer movimiento es profusamente utilizado por los violinistas como prueba o calentamiento. Esta pieza forma parte de las tres sonatas y tres partitas para este instrumento que compuso Bach en 1720.

Bach: Preludio y fuga en do mayor BWV 846 ("El clave bien temperado I")

Otro instrumento solista en el que hay mucho para elegir en la producción de Bach es el clave. Sin dudarlo mucho, me quedo con este primer preludio y esta primera fuga de su monumental obra El clave bien temperado, una de las músicas que lleva el Voyager en su periplo más allá del Sistema Solar y que también, para los que tenemos unos añitos y disfrutamos en su día del Spectrum de Sinclair y sus juegos nos trae a la mente uno de los más míticos: el Sabre Wulf, que empezaba precisamente con esa musiquilla. ¿Os acordáis?

Bach: preludio coral "Wachet auf, ruft uns die Stimme" BWV 645

Dentro de este mes que dedico a las obras de Bach para instrumentos solos, hoy toca una pieza para órgano, sin duda uno de los instrumentos favoritos del compositor, para el que escribió una obra abundante y magnífica. Es un breve preludio coral que está entre mis obras favoritas del genio de Eisenach y de toda la historia de la música. Da gusto ver cómo lo interpreta Ton Koopman.

Bach: Partita para flauta sola en la menor BWV 1013

Ya llegó septiembre y con él, la vuelta a esa rutina que llamamos "normalidad", el comienzo del curso y demás tópicos. No me sustraeré a ello, ya quisiera, así que vuelvo a esa costumbre de dedicar el mes a algo en concreto. Y se me ha ocurrido hacerlo a las composiciones que escribió Bach para instrumentos sin acompañamiento. Empezaré por su partita para flauta sola en la menor, escrita c. 1718-23.

Debussy: "Clair de lune" (Suite Bergamasque)

La semana pasada Google nos regaló uno de sus bonitos "doodles", esta vez conmemorando el nacimiento de Claude Debussy. Al evocador paseo nocturno le acompañaba una versión algo mutilada del bellísimo Clair de lune que hoy pongo aquí completo para, cumpliendo con la misión de esta bitácora, empezar bien la semana.

Schumann: Sinfonía nº 3 en mi bemol mayor "Renana"

Tras un breve receso estival, volvemos a la carga. Y para que se haga menos pesado el retorno al trabajo después de las vacaciones, mejor poner una música de esas que levanta el ánimo. Por eso he pensado en esta sinfonía "Renana" de Schumann, cuyo primer movimiento suelo definir como el reflejo de lo que siente un hombre feliz. A disfrutar y feliz vuelta al cole a quienes se hayan incorporado hoy.