Chaikovsky: Septiembre ("La caza")

Carlos III, cazador, por Goya

(Museo del Prado, Madrid)

Llega el último lunes de septiembre y, por lo tanto, la pieza de Las estaciones de Chaikovsky, por fin en su momento tras el lío veraniego. En este caso se titula La caza, que debía de ser una práctica habitual en los comienzos del otoño en la época y el lugar en que vivía el gran don Piotr. Aquí tenéis esta pieza, con su imitación inical de los cuernos de caza y su sonido un tanto estridente.

Beethoven: Sinfonía n.º 3 (por Wolfgang Sawallisch) y el "Adagio de Albinoni" de Remo Giazzoto

Wolfgang Sawallisch en 1988

(Foto CC BY-SA Andrea Riegel)

Intento recuperar el tono de este blog tras la vorágine estival. Llego ya a las últimas efemérides que se corresponden al mes de agosto. En concreto hay un día, el 26, en el que hay dos. La primera atañe a un gran director y pianista, Wolfgang Sawallisch, de quien ese día se cumplieron 100 años de su nacimiento. Nacido y formado en Múnich, se presentó como director en Augsburgo con Hansel y Gretel, de Humperdinck. Después dirigió en Alemania y Austria y se presentó en Estados Unidos con la Sinfónica de Viena en 1964. Dirigió también en Bayreuth y estuvo al frente de la Ópera Estatal de su ciudad natal hasta que en 1993 fue nombrado director de la Orquesta de Filadelfia, puesto en el que permaneció hasta 2003. Tres años más tarde se retiró; falleció en Grassau el 22 de febrero de 2013. También hizo carrera como pianista, en especial como acompañante de lieder. Hoy os lo traigo dirigiendo la Eroica frente de la Orquesta Estatal de Baviera.

Y ese mismo día, el 26 de agosto, se cumplieron 25 años desde la muerte de Remo Giazotto, un musicólogo italiano nacido en Roma el 4 de septiembre de 1910 y que es autor de uno de los "engaños" musicales más célebres del siglo XX, el llamado Adagio de Albinoni. Giazotto aseguró haber encontrado en las ruinas de la biblioteca de Dresde, arrasada por los bombardeos aliados en las postrimerías de la segunda guerra mundial, la partitura de una sonata de Albinoni (un músico cuya obra había estudiado a fondo) a partir de la cual había elaborado el susodicho Adagio. Más adelante se descubrió que todo esto era falso y que la obra era suya. Como es bella y se deja oír, aquí la tenéis.

Rossini: "Largo al factotum" por Hermann Prey

Este es mi ejemplar de Il barbiere con Hermann Prey en el papel protagonista

El pasado día 23 de julio se cumplieron 25 años de la muerte de Hermann Prey. Nacido en Berlín el 11 de junio de 1929, estudió en su ciudad natal y se presentó con 23 años en Wiesbaden. Desde entonces actuó en los principales escenarios líricos de Europa y América (el Met, el Covent Garden, Bayreuth, además de Viena, Berlín o Salzburgo...) con un repertorio fundamentalmente germánico, aunque tampoco hizo ascos al italiano y, de hecho, es recordado por su interpretación del barbero Fígaro, tanto en su versión mozartiana como en la que hoy os traigo, la de Rossini, en esta grabación que dirigió Claudio Abbado en septiembre de 1971. También fue un excelente cantante de lieder.

Chaikovsky: Julio ("Canto de las segadoras") y Agosto ("La cosecha")

Trigo listo para ser cosechado

(Foto CC BY-SA kallerna)

Ay el verano... Esa época en la que pasamos de todo... No he actualizado estas páginas como debiera. Espero enmendarme a partir de ahora y, para ponerme al día, voy a traer hoy las dos páginas de Las estaciones de Chaikovksy que debería haber puesto el último lunes de julio y el último de agosto. Se titulan El canto de las segadoras, típico de lo que debería ser un julio normal, sin cambio climático, y La cosecha, en agosto, cuando hay que empezar a recoger los frutos que nos da la madre Naturaleza. Disfrutadlos y espero enmendarme a partir de ahora, que hay mucha gente a la que homenajear y recordar.

 

Beethoven: Cuarto movimiento de la Novena Sinfonía (Klemperer)

El pasado día 6 de julio se cumplieron 50 años desde que nos dejó Otto Klemperer, uno de los más importantes directores del siglo XX y también uno de mis favoritos. Un intérprete fundamental para el repertorio germánico (romántico, posromántico y contemporáneo) de los siglos XIX y XX, quizá mi repertorio más trillado (de ahí mi admiración por don Otto, a quien tengo en el Olimpo junto a Furtwängler y un puñadico más).

Klemperer nació en Breslau (hoy Wroclaw, en Polonia) el 14 de mayo de 1885. Estudió música en Frankfurt y en Berlín y actuó por primera vez como director en 1906, en el Neues Theater de Berlín, sustituyendo a Oskar Fried en una interpretación de Orfeo en los infiernos, de Offenbach (en realidad un año antes había dirigido los instrumentos que están fuera del escenario en una interpretación de la Segunda Sinfonía de Mahler; el compositor bohemio -cuya música tan excelentemente interpretó don Otto- lo conoció entonces y lo recomendó para puestos que ocupó posteriormente). Después fue director en Praga, Brema, Estrasburgo, Colonia y Wiesbaden hasta que en 1927 se hizo cargo de la Ópera Kroll de Berlín, un lugar donde se interpretaban óperas contemporáneas.

La Ópera Kroll cerró en 1931 y ese año Klemperer pasó a la Staatsoper; como era judío, hubo de emigrar tras el ascenso del nazismo al poder y marchó a los Estados Unidos, donde fue director de la Filarmónica de Los Ángeles y también estuvo al frente de otros importantes conjuntos. Volvió a Europa tras la guerra y se hizo cargo de la Ópera Estatal de Hungría entre 1947 y 1950.

En 1954 firmó un contrato con la Orquesta Philharmonia, la que había creado Walter Legge para hacer grabaciones para EMI; en 1959 se convirtió en su director principal. Cuando en 1964 Legge quiso disolverla, Klemperer fue uno de los principales impulsores de su renacimiento como Nueva Philharmonia. Con ella hizo algunas de sus grabaciones más excelsas, como la Segunda Sinfonía de Mahler, el Fidelio y las sinfonías de Beethoven, el Holandés de Wagner, varias sinfonías de Bruckner y otras muchas más que me dejo en el tintero. Dirigió su último concierto el 26 de septiembre de 1971 3n Londres. Falleció en Zúrich el 6 de julio de 1973.

Hoy os traigo un fragmento de la Novena de Beethoven que dirigió a la Nueva Philharmonia precisamente cuando la hizo renacer tras el intento de desintegrarla por Legge. Fue un concierto que fue retransmitido por televisión el 8 de noviembre de 1964.

Chaikovsky: Junio ("Barcarola")

Una góndola en el Gran Canal de Venecia, por William Callow (1866)

(Colección Berger, Museo de Arte de Denver)

Vaya... Se me pasó el último lunes de junio y no traje por aquí la pieza correspondiente de Las estaciones, de Chaikovsky, así que aquí tenemos entrada intempestiva. La de junio se titula Barcarola, un tipo de pieza muy conocida para los amantes de la música para piano. En su origen era un canto que interpretaban los gondoleros de Venecia, que pronto pasó a ser materia prima para la música llamada clásica. Ya en el siglo XVIII y a comienzos del XIX hubo compositores que la incorporaron, sobre todo a la ópera. En el piano las más célebres son las de Chopin, pero hay también ejemplos interesantes en Mendelssohn y...

Pero bueno, de la que hoy se trata es de esta, de Chaikovsky, que pretende retratar este mes en que comienza el verano. Os la dejo en una interpretación de garantías:

Smetana: "El Moldava" (por Karel Ančerl)

Se cumplen hoy cincuenta años de la muerte de Karel Ančerl, uno de los más importantes directores del siglo XX y no solo de música checa, de su país natal. Nacido en Tučapy, Bohemia, el 11 de abril de 1908, Ančerl estudió en el Conservatorio de Praga antes de convertirse en alumno y asistente del gran director Hermann Scherchen. Luego trabajó en teatros y en la radio de Praga hasta la ocupación nazi de su país. Fue enviado a un campo de concentración junto con su familia; solo sobrevivió él. De sus varias ocupaciones tras la guerra, quizá la más importante fue su labor al frente de la Filarmónica Checa entre 1950 y 1968. Después de la Primavera de Praga abandonó su país y fue director de la Orquesta Sinfónica de Toronto, ciudad en la que falleció el 3 de julio de 1973. Además de su enorme autoridad en la música de los compositores de su país, como Smetana, Dvořák, o Janáček, le debemos algunas grabaciones magistrales de obras de Mahler, Stravinsky o Shostakovich. El ejemplo que hoy os traigo es de Smetana, quizá su obra más conocida, el poema sinfónico perteneciente a Má Vlast ("Mi patria") que describe el río Moldava, con Ančerl al frente de "su" Filarmónica Checa.

Ligeti: "Lux Aeterna"

György Ligeti en 1984

(Foto CC BY-SA Jan Arkesteijn)

No soy muy amigo de las músicas contemporáneas, pero tengo algunas excepciones. Una es György Ligeti, compositor húngaro del cual el pasado 28 de mayo se cumplió el centenario de su nacimiento. Tengo en mi fonoteca unos cuantos CD dedicados a sus piezas, gracias a que los sellos Sony y Teldec publicaron en su día bastante música suya.

Ligeti conoció bien las tiranías... Nacido en la zona de Rumanía de habla húngara, primero hubo de soportar a los nazis, luego a los comunistas húngaros y en 1956, tras la invasión soviética de su país, huyó a Occidente. Allí se encontró con la tiranía de los vanguardistas de la Escuela de Darmstadt y acabó haciendo lo que le dio la gana. El resultado es una obra de su tiempo sin ambages, pero también sin dogmatismos. Falleció en Viena el 12 de junio de 2006.

Es curioso lo que ocurrió con su música y la mítica película de Stanley Kubrick, 2001, una odisea del espacio. El director, siempre tan certero al elegir las bandas sonoras de sus obras, en este caso lo hizo sin pedir permiso al autor. Ligeti lo denunció aunque mostró su admiración por la obra de Kubrick. El mítico director utilizó varias obras de Ligeti en su película, entre ellas su Lux Aeterna, que hoy os traigo como humilde homenaje a este compositor en el centenario de su nacimiento.

 

Chaikovsky: Mayo ("Noches de mayo")

Cielo nocturno con nubes

(Foto CC BY-SA Kimmieh Jung)

Último lunes de mayo, toca pieza de Las estaciones de Chaikovsky. En este caso, titulada Noches de mayo, esas noches que en ocasiones se muestran límpidas y llenas de estrellas y en ocasiones con nubes y chubascos, que falta nos hace. La versión es de garantías (Sviatoslav Richter)

Centenario de Alicia de Larrocha (Granados: "Quejas" o "La maja y el ruiseñor")

Alicia de Larrocha en 1983

(Foto © Generalitat de Catalunya, Departament de la Presidència)

Mañana día 22 se cumplirán 100 años del nacimiento en Barcelona de Alicia de Larrocha, la mejor pianista española del siglo XX (y tal vez de todos los tiempos). Se formó en la célebre academia Marshall, tan vinculada a Enric Granados, uno de los compositores, junto con Albéniz, que más interpretó doña Alicia. Una institución de la que pasó a ser directora en 1959, tras la muerte de Frank Marshall. Desde 1947 empezó a actuar fuera de España y allá donde fue llevó nuestra música, la de Granados, Albéniz, Falla, Mompou o Turina. Eso no quiere decir que no tocase otros repertorios: sentía especial predilección por la música de Mozart. Se retiró en 2003 y murió en su ciudad natal el 25 de septiembre de 2009.

Como no podía ser de otra manera, la ilustración musical será de Enric Granados, en concreto La maja y el ruiseñor, pieza correspondiente a una de sus obras para piano más conocidas, Goyescas.

 

Menahem Pressler (1923-2023). Beethoven: Trío "Archiduque" (por el Beaux Arts)

El Trío Beaux Arts en 1980

Menahem Pressler está sentado, con una partitura en la mano

El 6 de mayo supe que Menahem Pressler había fallecido en Londres a los 99 años de edad. Otra leyenda que se ha ido. Fue uno de los fundadores del Trío Beaux Arts, uno de los conjuntos de música de cámara más importantes del siglo XX y parte del XXI.

Menahem Pressler nació en Magdeburgo el 16 de diciembre de 1923. De origen judío, hubo de abandonar Alemania en 1939 y marchó a Italia y luego a Palestina, donde adoptó el nombre con el que lo conocemos (en origen se llamó Max Jacob). Aunque intentó comenzar una carrera como solista, será siempre recordado por fundar, en 1955, el Trío Beaux Arts junto con el violinista Daniel Guilet y el violonchelista Bernard Greenhouse. Desde entonces, el trío se dedicó a interpretar y grabar el repertorio más importante para ese conjunto y nos han dejado un legado impresionante, con las obras de Haydn, Mozart, Beethoven o Schubert.

Algunas de las grabaciones del Beux Arts que tengo en mi colección

El trío perduró hasta 2008, si bien con bastantes cambios en su composición. Guilet se retiró en  1969 y lo sustituyó Isidore Cohen. En 1987 lo hizo Greenhouse y se incorporó Peter Wiley como violonchelo. En 1992 le llegó el turno de jubilarse a Cohen y entró por primera vez una mujer, Ida Kavafian. En 1998 hubo una nueva renovación; de los originales sólo quedo Pressler y entraron el violinista Young Uck Kim y el violonchelista Antonio Meneses. El último concierto del trío tuvo lugar en 2008; desde 2002 el violinista Daniel Hope también participó en el conjunto.

Sería difícil elegir una de sus grabaciones, pero algo hay que hacer; dada mi tendencia a considerar a Beethoven como una especie de dios, voy a ir por ahí y he seleccionado el que tal vez sea el Trío más conocido del genio de Bonn, el Archiduque, en una grabación de 1962, por tanto, con la composición original del trío.

Beethoven: Sinfonía n.º 9 (4º movimiento - Klemperer)

El 7 de mayo de 1824, es decir, ayer hizo 199 años, se estrenó la Novena Sinfonía de Beethoven.  Fue en un concierto en el Kärnthnerthortheater de Viena que incluyó, además de su última sinfonía, la obertura La consagración de la casa Op. 124 y el Kyrie, el Credo y el Agnus Dei de la Missa solemnis. No está nada mal... Fue un éxito artístico de primer orden (desde el punto de vista económico no tanto), de modo que la ovación fue atronadora. Sin embargo, el compositor estaba ya sordo del todo, de modo que tuvo que ser una de las cantantes, Karoline Unger, quien tirase de su manga para que se volviera y respondiera al entusiasmo del público. La sinfonía es un gran atrevimiento, pues une la voz humana a una forma musical que hasta entonces era meramente instrumental, un acto que pronto tendrían en cuenta otros compositores, como Mendelssohn, que en 1840 estrenó su Segunda Sinfonía, Lobgesang, con una parte plenamente coral, Liszt, cuyas dos sinfonías (Dante y Fausto) incluyen la voz humana o Mahler, que ya en pleno tardorromanticismo compuso cuatro sinfonías con la participación de voces solistas y coros. Aquí os traigo el cuarto movimiento de la Novena, en una grabación histórica, la que hizo Otto Klemperer en 1964 con la Nueva Philharmonia, poco después de que Walter Legge intentase disolver el mítico conjunto que tantos registros históricos dejó en el sello EMI. Estas grabaciones, televisadas, fueron el puntal que el gran director aportó para la supervivencia de la orquesta. Que la disfrutéis.

Chaikovsky: Abril ("La campanilla de invierno")

Campanilla de invierno (Galanthus nivalis)

Foto CC BY-SA Darkone

Llegó el último lunes de abril y, por tanto, la pieza que toca es la correspondiente a este mes en Las estaciones, ese grupo de doce composiciones para piano de Chaikovsky que estoy repasando este año del 130º aniversario de su muerte. La que corresponde a abril está dedicada a la campanilla de invierno, una planta monocotiledónea del orden de las asparagales, familia de las amarilidáceas, que suele florecer cuando el invierno da sus últimos estertores. Sus florecillas, una por planta, son blancas y en ocasiones aparecen en medio de la nieve. Bien, basta ya de botánica y escuchemos la pieza, interpretada nada más y nada menos que por Vladimir Ashkenazy.

Mahler: Sinfonía n.º 1 en re mayor (Jascha Horenstein)

Este es mi ejemplar de la Octava de Mahler por Horenstein;

en el texto veréis cuál es su importancia.

El pasado día 2 se cumplieron 50 años de la muerte de Jascha Horenstein, un director que, entre otras cosas, fue un gran intérprete de la música de Mahler.

Había nacido en Kiev, el 6 de mayo de 1899 (entonces era el 24 de abril allí). Poco tardó en salir del país, pues en 1905 vivía en Königsberg. Luego marchó a Viena, donde estudió música; en 1920 se trasladó a Berlín, donde empezó dirigiendo coros y llegó a ser asistente de Furtwängler. Se puso al frente de una orquesta por primera vez en 1923 en Viena; en 1928 se convirtió en director de la Ópera de Düsseldorf. El ascenso de los nazis al poder lo obligó a abandonar Alemania. En 1940 llegó a los Estados Unidos, donde se acabó nacionalizando. Tras la guerra actuó por todo el mundo, dirigiendo ópera sobre todo, pero hoy en día es recordado sobre todo como un excepcional intérprete de Bruckner y, en especial, de Mahler.

La foto que encabeza esta entrada tiene su importancia en ese aspecto, pues se corresponde con la grabación de un concierto que supuso un punto de inflexión en la aceptación de la música de Mahler en el Reino Unido. Poco antes, la crítica había dejado claro (por voz de uno de sus prebostes, Frank Howes), que Mahler no era bien recibido allí. Este concierto del 20 de marzo de 1959 con la Sinfónica de Londres acabó con este prejuicio.

Horenstein, que en sus últimos años se estableció en la ciudad suiza de Lausana, murió en Londres el 2 de abril de 1973. Aquí os traigo su interpretación de la Primera Sinfonía de Mahler, también con la Sinfónica de Londres, del año 1969. Que la disfrutéis.

 

Rajmáninov: Rapsodia sobre un tema de Paganini Op. 43

No está muy claro en qué parte de Rusia nació, pero lo que sí se puede afirmar es que allí era el 20 de marzo mientras que en el resto del mundo era el 1 de abril. Así que anteayer hizo 150 años del nacimiento de Sergéi Rajmáninov. Un compositor del que leí en algún sitio que "no pertenecía ni a su tiempo ni a su país". Lo de su tiempo, puede ser, ya que siguió escribiendo música tonal y casi romántica hasta el final de su vida (murió en 1943). Lo de su país, ya no lo tengo tan claro. Es cierto que salió de Rusia tras la Revolución, pero allá donde vivió, si hacemos caso -y deberíamos hacerlo- a su breve biografía en el New Grove, firmada por Geoffrey Norris, "la familia observó las costumbres rusas, recibió visitantes rusos y empleó criados rusos". Hoy os traigo la que quizá sea su obra más célebre, la Rapsodia sobre un tema de Paganini, escrita en 1934, que es difícil que alguien no haya escuchado, al menos la parte que en este vídeo va de 15'38'' a 18'36''. Ya me diréis.

Chaikovsky: Marzo ("El canto de la alondra") y Beethoven

Una alondra

(Foto CC BY-SA Juan Lacruz)

Último lunes de marzo, toca pieza de Las estaciones de Chaikovksy. La dedicada a marzo lleva el título de El canto de la alondra, ese bichito alado que en nuestro país no suele migrar, pero que en la Europa oriental en la que vivió el compositor ruso sí que hibernaban en el sur y con la llegada de la primavera volvían hacia tierras más septentrionales. Aquí la tenéis, en una interpretación de garantías. Pero...

¿A qué viene el pero? A que ayer, 26 de marzo, se cumplieron 196 años de la partida de este mundo del genio de los genios, Beethoven...

Lo cierto es que estos días se ha hablado bastante de él, por el estudio que se ha hecho a partir de los mechones de su cabello que se conservan. Un estudio en el que se han descubierto las sopas de ajo, es decir, que se ha anunciado a bombo y platillo que murió por un problema hepático, como si eso no se supiera desde el año de Maricastaña. (No pongo aquí fragmentos de mi humilde Vida de Ludwig van Beethoven en los que se habla de ello porque casi me da corte). En fin, dejémonos de bobadas periodísticas y vamos a lo bueno, que es su música. Y qué mejor que una de sus obras capitales, la Eroica, interpretada por uno de los directores más importantes del siglo pasado, Otto Klemperer. A disfrutarla.

Sesquicentenario de Max Reger ("An die Hoffnung", Op. 124)

Max Reger en 1913

Ayer, 19 de marzo, se cumplieron 150 años del nacimiento de Max Reger, un compositor por el que siento una especial admiración que en ocasiones ha sido criticada por gentes que comparten mi afición por la llamada música clásica (un saludo si lee esto, Milord). A pesar de ello, yo persisto y he de reconocer que me fascina un autor que vivió siempre contra corriente. Primero, porque dio prioridad a la música de cámara en una época en la que lo que se llevaba era el sinfonismo (casi) desaforado. También dio prioridad a la música absoluta cuando los esfuerzos de muchos compositores se encaminaban a la música programática y a la ópera. Fue un compositor consciente de los cambios que se estaban produciendo en su tiempo (Schoenberg y sus discípulos), pero que decidió no seguir por ese camino. Además, su producción para órgano fue la más abundante y rica desde Bach. No voy a extenderme más; en este mismo blog dediqué varias entradas a Reger, en lo que se puede considerar una minibiografía (el primer mensaje lo publiqué en mayo de 2008 y el séptimo y último en febrero de 2009; quien tenga interés puede buscarlos en los archivos). Se me ha ocurrido traeros hoy, como ejemplo musical, su adaptación para voz y orquesta del poema An die Hoffnung (esto es, "a la esperanza", la que yo no pierdo en que alguien que lea esto se aficione a la obra de Reger) de Friedrich Hölderlin, con unos intérpretes excepcionales.

Lauritz Melchior como estrella de cine (en "Luxury Liner")

Lauritz Melchior con sus hijos

El próximo sábado, día 18, se cumplirán 50 años desde que Lauritz Melchior partió hacia su particular Walhalla. Nacido en Copenhague el 20 de marzo de 1890, estudió en su ciudad natal y se presentó con 23 años como el Silvio de Pagliacci. Cinco años después hizo lo que se podría considerar una segunda presentación, pues apareció como Tannhäuser y dio comienzo a su relación con el repertorio wagneriano, que lo llevó a ser el Heldentenor por excelencia. Se presentó en Bayreuth en 1924 como Siegmund y Parsifal, pero su carrera se desarrolló sobre todo en otros teatros, como el Metropolitan de Nueva York. Da la impresión de que no se llevaba muy bien con los nazis. Una de sus interpretaciones wagnerianas más comentadas es la grabación que realizó en junio de 1935 del primer acto de Die Walküre en Viena, con Bruno Walter a la batuta y acompañado de Emmanuel List, ambos judíos. Tras la guerra, Melchior participó en varias películas de Hollywood y el vídeo que os adjunto pertenece a una de ellas, Luxury Liner, de 1948, donde interpreta el "Winterstürme wichen dem Wohnemond" ante su esposa Maria Hacker.

Leonie Rysanek (con Astrid Varnay en un fragmento de "Elektra", de Richard Strauss)

Leonie Rysanek, óleo sobre lienzo de Heinz Anger (1962)

Publicado en el libro Der Maler Heinz Anger (1992) CC BY-SA

Mañana, martes 7 de marzo, se cumplirán 25 años del fallecimiento, a causa de un cáncer óseo, de Leonie Rysanek, una extraordinaria soprano austriaca. Nació en Viena el 14 de noviembre de 1926 y su presentación en el primer Festival de Bayreuth después de la segunda guerra mundial, el año 1951, causó sensación. Se hizo célebre por el grito que lanzaba en Die Walküre, intepretando el papel de Sieglinde, cuando Siegmund sacaba la espada Notung del árbol en que la había incrustado Wotan. Al parecer, fue una idea de Wieland Wagner que Rysanek adoptó como suya y que siempre reprodujo allá donde cantase esa Sieglinde.

Aparte de este importante papel wagneriano, Rysanek cantó otros en Europa y América: Agathe (Der Freischütz, de Weber), Arabella, Donna Anna, Senta, Leonora (de La forza del destino) y muchos más. Tras su aparición en ese primer Bayreuth "desnazificado" se unió a la ópera de Múnich, pero también se presentó en el Covent Garden en 1953 con la compañía de Múnich (como la protagonista de Der Liebe der Danae, de R. Strauss), en Estados Unidos en 1956 (en San Francisco, como la Senta de El holandés errante) y en 1959 en el Metropolitan de Nueva York como Lady Macbeth (sustituyendo a Maria Callas). En Bayreuth también interpretó otros papeles, como los de Elsa (en Lohengrin), Elisabeth (en Tannhäuser) o Kundry (en Parsifal).

Me encantan sus papeles wagnerianos, pero quizá en el que más me guste sea en el de Elektra (mi ópera favorita de Richard Strauss) en la grabación filmada que hizo bajo la batuta de Karl Böhm en 1980 y del que hoy os traigo un breve fragmento, en el que se enfrenta a su madre Clitemnestra, interpretada aquí por otro mito: Astrid Varnay.

Chaikovsky: "Febrero" ("Las estaciones", Op. 37b)

Carnaval de Cádiz de 2019

(Foto CC BY-SA Emilio J. Rodríguez Posada)

Como lo prometido es deuda y hoy es el último lunes de febrero, os dejo la pieza correspondiente de Las estaciones, de Chaikovksy. La dedicada a febrero lleva, como no podía ser de otra manera, el título de Carnaval.